泼墨仙人(传卮都什么意思)
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2024-03-31
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1. 泼墨仙人,传卮都什么意思?
1.泼墨中国画技法名。相传唐代王洽,以墨泼纸素,脚蹴手抹,随其形状为石、为云、为水,应手随意,图出云霞,染成风雨,宛若神巧,俯视不见其墨污之迹(见《唐朝名画录》)。明代李日华《竹�龌�媵》:“泼墨者用墨微妙,不见笔迹,如泼出耳。”清代沈宗骞《芥舟学画编》:“墨曰泼墨,山色曰泼翠,草色曰泼绿,泼之为用,最足发画中气韵。”后世指笔酣墨饱,或点或刷,水墨淋漓,气势磅礴,皆谓之“泼墨”。现代亦有以彩色为主的纵笔豪放的画法称为“泼彩”。2.泼墨法泼墨法创始于唐代王洽(又名王墨、王默),《唐代名画录》、《历代名画记》都有记载。王洽喜豪饮,醉后解衣磅礴,激清迸发,用墨泼在绢上,然后根据墨迹的形态,画成山石林泉,云雨迷茫,浑然一体,时人称他为“王泼墨”。后世所谓泼墨法,是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。行此法,毛笔要大一些。用饱含水的笔头,蘸上浓淡得宜的墨汁,大胆落笔,点拓出山石的形体。运笔要胸有成竹,轻重得宜,可以重笔,也可有飞白,随物形而变化,自然可获得墨色丰富、滋润生动的效果。3.泼墨山水所谓山水,就是西画及摄影的风景。国画中山水的境界最为重要,然而也要笔墨来辅助。有了境界,但是没有笔墨,或者有了笔墨,但是没有境界,也就不成为。它那结构和位置,必须特别加意,如画寺观,这些地方就不宜像人家的庐舍,好像和讲风水一样。这个说法,要多看古人名迹,以及名山大川,名胜古迹,自然会了解的。假如画了一张画,其中主要安置人家,却恰恰似一块坟地。这样的画,挂在中堂上面,试问别人看了,舒服不舒服呢?还能引人入胜吗?郭河阳论画,要可以观,可以游,可以居。他所谓可以观的,是令人一看这张画,就发生兴趣,要一看再看,流连不舍。第二步就想去游玩游玩,第三步就联想到,这样的好地方,怎样能够搬家去住才好呢!这样的山水才算够条件了。 有些人说中国山水画,是平面的,画树都好像是从中间锯开来的,这话绝不正确。中国画自唐宋而后,有文人画一派,不免偏重在笔墨方面,在画理方面,比较失于疏忽。如果把唐宋大家名迹来细细的观察,那画理的严明,春夏秋冬,阴晴雨雪,简直是体会无遗。董源画树,八面出枝,山石简直有夕阳照著的样子。关同甘共苦同画丛树,有枝无干,岂是平面的吗?画山水一定要实际,多看名山大川,奇峰峭壁,危峦平坡,烟岚云霭,飞瀑奔流,宇宙大观,千变万化,不是亲眼看过,凭看意想,是上不了笔尖的。眼中看过,胸中自然会有,一摇笔间,自然会一齐跑在你手腕下。 画山最重皴法,古人有种种名称,只不过是就其所见的山水而体会出来的。应该用那一种皴法传出,那所见的形状如何,遂名叫作某某皴,并非勉强,非用此皴法不可。如北苑用披麻皴,因为江南的山,土多过石,又因为论画的林木蓊郁,自宜于用这皴法。若范华原画北方的山川,太行王屋,石多过土,地也高亢,草苔也稀少,自然宜於用泥里拔钉、雨打墙头、鬼面这这些皴法。设使二公的皴法,互相变换,又成何面目?所以我的意思山水皴法不必拘泥,只要看适于某一种,就用某一种皴法。古人皴法,累举数种,荷叶皴、大小斧劈皴、披麻皴、雨打墙头皴、泥里拔钉皴、云头皴、折带皴、鬼面皴、牛毛皴、马牙皴、卷去皴、矾块皴,此皆常用者。4.泼墨山水画的代表人物王维的水墨山水,王洽的泼墨山水等;五代、北宋山水画大兴,作者纷起,如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水,王希孟、赵伯驹、赵伯�X的青绿山水,南北竞辉,达到高峰。从此成为中国画中的一大画科;元代山水画趋向写意,以虚带实,侧重笔墨神韵,开创新风;明清及近代,续有发展,亦出新貌。5.泼墨仙人《泼墨仙人图》是现存最早的一幅泼墨写意人物画。可以说是梁楷与画院画风决绝后,自辟蹊径,独树一帜,在绘画创作中所创“减笔”画之杰作。画面上的仙人除面目、胸部用细笔勾出神态外,其他部位皆用阔笔横涂竖扫,笔笔酣畅,墨色淋漓,豪放不羁,如入无人之境。作者在构造人物形象时,有意夸张其头额部分,几乎占去面部的多半,而把五官挤在下部很小的面积上,垂眉细眼,扁鼻撇嘴,既显得醉态可掬,却又诙谐滑稽,令人发笑,以生动的形象表现了作者的思想境界和生命态度,极尽嬉笑怒骂之态。据画史记载:梁楷为人不拘小节,好酒,自得其乐,狂放不羁,且任性高傲,在艺术上有自己的创见,不肯随波逐流,因而有“梁疯子”之称。应该说梁楷所画的不是“仙人”,而是他自己的写照。梁楷在他艺术生涯的前期,曾受画院“格律”的严格训练,人物画继承李公麟之画风,后因作者本人的素质和历史因素,梁楷凭着这股“疯”劲,反对因循守旧,敢于标新立异,敢于创造发展,因而他在中国画史上占有一席之地。 《泼墨仙人图》的产生,与南宋佛教禅宗思想的盛行是分不开的。此图标题为后人所加,从其大头鼓腹的形象来看,倒有点像当时民间信奉的布袋和尚;其精神体态的描写又有点像与梁楷同时的济颠和尚。此图不但体现了禅宗思想,也是梁楷所生活的南宋时代的必然产物。从另一个角度讲,也充分体现了梁楷对人物画体系“离经叛道”的大胆革新精神。
2. 国画油画分为中西绘画的代表?
谢谢好朋友“画画爸爸”的提问。你问:国画和油画到底有没有高低之分?看了30多位朋友的回答,大多把我想说的已经说了,下面我从另外的角度来回答这个问题。
我觉得国画和油画是有高低之分的,国画大多数方面要高于油画!
一、从绘画的文化内涵和人文气息上比,国画要远远高于油画
(一)中国画的文化内涵和人文气息
1、中国绘画源远流长,如果不算春秋战国时期的《人物龙凤图》帛画,仅从东晋顾恺之画的《洛神赋图》至今,也有1700多年的历史了。一千多年来,中国画家们在实践中不断创新,继承和发展了中国绘画,使中国画在世界上独树一帜,成为东方绘画的代表。
2、中国绘画和西方绘画不同的是,中国绘画,主要借助绘画在描摹自然风光,和社会生活及人文气息的同时,加入了中国的“诗书画印”,以及道家文化和佛家文化的理念,使得中国绘画富有了深刻的内涵。即使最有史记载的顾恺之画的《洛神赋图》,表面上看似乎只是画的一个神话故事,但是,顾恺之在画中还是融入了道家思想的理念即“清”和“静”思想。虽然画里画了许多人和海神,但是,却看不到一间房子,一个乡村,有的只是一望无际大海,和重重的山林。
3、在顾恺之的《画云台山记》里,他除了强调绘画的技法之外,还着重强调了对“天师”的表现:画天师瘦形而神气远,据涧指桃,回面谓弟子。。。从顾恺之以后的众多画家无不受其影响。到了唐代,画家王维更是对“佛文化”的摩拜到了如梦如痴的程度,在他的水墨山水画中,处处体现出他所想表达的“空”和“静”。“空山不见人,但闻人语响,返景入深林,复照青苔上。”这正是他山水画所追求的意境。
4、宋代皇帝徽宗赵佶,自封为“教主道君皇帝”和“道君太上皇帝”,他大力推崇王维开的水墨画,并将“诗书画印”融入其中,使得中国画进入一个全新时期,开创了中国画的新纪元。所以,宋代以后出现了许多擅长画“道和佛”的画家,比如:南宋梁楷画的《泼墨仙人图》和《恒宣普明头陀归庄禅画》、曹洞的《牧牛图》、临济的《十牛图》和教禅一致的《白牛图》等等。元代的倪瓒、明代的董其昌,清代的“清四僧”,以及现代的张大千、吴昌硕、齐白石、潘天寿和黄宾虹等画家,无一不受其影响。后世的众多习禅或者文人雅士画家,有禅理的绘画,或者依葫芦画瓢的,乃不胜枚举。
中国的禅画,对日本的绘画产生了重要影响,至今仍然有许多画家对禅画情有独钟。今天我们来评价中国画,不仅仅从画的好坏本身,还要加上诗、书法、印章等各个方面,这样全面的中国画,才能算好的中国画作品。
(二)油画的内涵
油画的历史,如果说古希腊时期还不够成熟的话,那么,从文艺复兴至今,也有500多年的历史了。虽然西方画家们,在油画的技法上不断地创新,但是,但是,对于油画的内涵,却很少有人问俊,除了对自然风光、人物肖像的描绘之外,就是神话、历史故事、风土人情的描绘。比如:达芬奇的《蒙娜丽莎》:人物肖像画、《圣女玛利亚》、米开朗基罗的壁画《创世纪》:神话题材的绘画;路易.大卫的《拿破仑加冕》;达维特的《马拉之死》:历史画;梵高的《向日葵》、莫奈的《干草堆》:风景画等等。这些绘画,我们能从绘画本身读懂绘画的内涵。因此,可以这样说,西方绘画是“再现”,而中国绘画是“再现和体现”。
二、从绘画的技法和种类上比,国画丝毫不比油画差
(一)中国绘画的技法
1、有的人说:“中国画没有油画画得像,所以,中国画的水平没有油画高”。看起来有道理,听起来也不错,可事实是这样么?中国画家真的不会画写实的绘画?答案其实是否定的!早在唐代,“画圣吴道子”就已经开始用“敷彩法”(立体的绘画方法)进行表现。但是,为什么后代没有人再去学习这种方法么?这和古代画家们所受到的、几千年流传下来的传统文化有关。传统文化的根深蒂固,让后代画家们对于“敷彩法”敬而远之。其实,中国画即使没有所谓的立体感,但是,也丝毫不影响它对自然和人文等的再现。
2、中国画从传统的工笔画,到后来的写意画,看上去只有两种记法,其实不然,工笔画里面,除了勾线敷彩之外,还有没骨法和兼工带写等技法;写意画里面又有小写意、大写意和泼墨(彩)等技法。另外,今天的中国画还融入了西洋画素描的技法,使得中国画技法又进入到了一个新的高度。
二、油画的技法
油画的技法,从传统的古典写实,到印象派、野兽派、立体派、抽象派、超现实主义画派、表现主义、达达派、波普艺术等等,虽然也在不断地创新之中,但是,西方的油画,却是变的要么越来越像照片,甚至比照片还逼真;要么是让人不知道画得是什么东西。总之,油画的技法和国画比,也并没有多大的优势。甚至中国画的技法还更胜一筹。
今天的人们大多数之所以喜欢油画,而不喜欢中国画,其原因有二:
1、传统文化的流失。改革开放以来,由于西方文化的强烈冲击,以及“崇洋媚外”的思想严重,许多从海外归来的人,占据了重要的位置,如新闻媒体、高校、行政部门以及厂矿企业,对西方文化的大力推销,使得许多人的观念发生了变化。
2、美术学院对西洋画的大力推崇。曾经有一位知名人士说过:“素描是一切造型的基础”,所以,现在美术学院把西洋画的素描和水粉、水彩作为美术高考的主要内容。这样,随着时间的推移,一代又一代人对中国画越来越不待见。今天,除了年长一些的人,年轻人很少有喜欢中国画的。
如果说,油画比中国画“高”的画,只能说,油画确实看上去和照片差不多,对事物的再现比中国画好。但是,中国画的丰富内涵,油画是永远不能比拟的。今天,中国画走到历史的最低点,不能不说是我们的悲哀!
最后我要说得是,希望有关部门重视传统文化的传承和保护,扭转文化“重演媚外”的现象,让我们自己的优秀文化传承下去!!!
一家之言,不喜勿看。欢迎评论,谢谢!
(文中图片来自网络)
3. 你如何看待那些突破传统的艺术家的行为?
时代有突破才有发展,艺术也需要更新才能够满足新一代人们的视觉需要与审美需求。
“突破传统”在艺术的发展历程中有两种形式:以国画艺术的角度来分析。
1.在传统的基础上进行继承与发展,继古人之法融合时代思维。
例如在国画的发展历程之中,每个时代都会诞生具有创新性思维的大家,与创新性的艺术表现形式。
如梁楷的“泼墨仙人图”该画作是现存最早的一幅泼墨写意人物画,是对传统线型国画语言的背离,是墨象语言真正独立的标志。
徐渭则开创了大写意牡丹,史无前例的不用色彩画牡丹,仅用墨色创作。齐白石的墨叶红花,苏东坡的红竹等等,都是在当时是极为有创新性的发明创造,但对于现在而言很显然这些手法的艺术形式,也被归为了传统艺术的范畴。
这反应了一个现象,就是时代的发展与延续性,所有的事物都是变化着的,变化之中就一定会改变之前的一些艺术形式与观念。即使当时或如今再怎么新颖的艺术,未来都会成为传统,所以要客观合理的看待“突破传统”这个概念。
而且近现代的很多大家无论林风眠、李可染等名家,他们更讲究中西融合,把光学融入到画面中,林风眠用的是光斑,李可染用的是逆光。这些如今看来也不稀奇了,现在用国画画出油画感觉的也有人在。
但大部分这些大家都是在传统国粹艺术之中去创造的,继承了笔墨技法与部分思想理念。所创作出来的作品,也更容易让人们接受,并还存有一定的发明创造,且符合民族精神的视觉传达,能让人们看的明白看的懂,实现了艺术为人民服务为时代社会服务的艺术使命,是值得纪念与参考的。
2.相对完全打破传统。
这某种意义上几乎是完全否定国画之中的所有技法或表现形式了,某些实验水墨或当代水墨做的就异常彻底,甚至创作时工具都不限制,舞管弄脸,就差了满地滚爬。
要说这些已不在继承传统,也不能说,至少这还用着墨与宣纸,只是相对笔墨技法而言是完全不用了,但至于艺术形式是怎样的,那就不怎好说,未来会给出明确答案吧。
而对于现在来讲,这样的创作手法受到人们的喜爱几率可能并不大,也许博得了眼球,而未来这些作品能否传世留名尚待考究。当然当代水墨、实验水墨也有做的好的,就不一一列举了。
发展固然是时代必须,但传统艺术的一些精髓我们还是要理性对待,继承优良传统艺术,是民族精神的延续,勿让好的精华断了代。
4. 有人说国画是一门抒情艺术?
坦白讲,这个问题像互联网中千千万万个问题一样,带有一种简单化的倾向。它其实指向另外一些问题:什么是国画?你所说的国画是指哪个时期的国画?是指哪一种国画?国画悠久的历史,丰富的种类,很难以一言以蔽之的。国画不止是张大千、齐白石,而很多大众会将二者直接划等号。所以回到这个问题上,我们首先要从对国画的认识说起。
我会尽量简化自己对这个问题的认知,如果其中有纰漏,请各位方家海涵。
首先,我们从国画的起源说起,中国在新石器时代,就已经有绘画了,主要是彩陶,作为一些装饰纹样出现。到了奴隶社会,一些青铜器上会有记录当时历史事件的图像,简化生动,主要承担着拜鬼神、成教化、助人伦的功能,起码这一阶段,它和抒情是不相干的。
(马王堆汉墓帛画)
到了魏晋南北朝时期,宗教开始兴盛,在这一时期,出现了大量的宗教人物画,最为著名的是敦煌石窟,它具有极高的宗教意义和审美价值,是不能用抒情来形容的。当然,这一时期,“国画”也真正产生了自己的审美觉醒,出现了宗炳的《画山水序》和王微的《叙画》等理论著作。尤其《画山水序》,可以说是东方美学思想发展的里程碑,它提出“含道应物”“澄怀味象”等,强调的就是个人修养和恬淡情怀,要和客观实物的形象相结合,要用自己的悟性来顺应自然。所以他并不是纯粹的抒情,而是物我合一,这是很高的境界,并且在我国的国画史中一以贯之,成为一种主流的审美倾向。它既不是单纯的抒情,也不是单纯的描绘客观实物,而是物我两忘,经过改造之后的现实,所以将它简化为“抒情”两个字,实在是有失偏颇。
顾恺之 《洛神赋图》,人物画向山水画过渡时期的传世名画。
隋唐时期是中国绘画继往开来、光彩博取而品类咸备的全盛时期。画家张彦远《历代名画记》中,隋有著名画家21人,唐有207人之多,这些还只是颇有成就的著名画家。他们的作品既有《历代帝王图》、《步辇图》《虢国夫人游春图》《高逸图》等人物画,描绘帝王、忠臣等为统治阶级服务。又有《长江积雪图》《江帆楼阁图》等山水画,这部分倒是重感受,抒发画家自己的个性和情趣,并慢慢滋生出了文人山水画这一流派。但是我们不能说为统治阶级服务的那些传世名画就不是国画了,对吧?所以把国画简化为抒情的艺术,仍然是偏颇的。
十大传世名画之一 《虢国夫人游春图》
五代十国时期,在历史上可能不是很起眼,很多人连五代是哪五代都不清楚。但是,在绘画史上,这其实是一个很重要和灿烂的时期。《调马图》《二祖调心图》《韩熙载夜宴图》《珍禽图》(黄筌)《匡庐图》(荆浩)《雪山行旅图》《关山行旅图》(关仝)《秋山问道图》(巨然)等等,名家名作,全部出在这一时期。人物画就不说了,黄筌的《珍禽图》可以说是工笔花鸟画的发端,非常重视写实,形神兼备,决不能以“抒情“来形容。哪怕是山水画,也非常注重写生。荆浩《笔法记》里总结了“六要”、“真、似”,“四格”、“四势”、“二病”,强调画家要真实地体察自然,做到顺应自然而反映自然,不可造作。要寻求物象的形态、气质,不能僵死,更不能凭空捏造。这显然不是“抒情”二字可以概括的。
荆浩《匡庐图》
宋元时期,就不必说了。这是中国绘画史上一个几乎无法逾越的高峰,到今天为止,很多画家仍然是推崇宋元,倾向于回归宋元的绘画特质,认为这一时期才是正宗、本源。如果详细介绍的话,再来一万字也介绍不完。从它服务的阶级来说,因为经济的发达,也已经由统治阶级、士大夫阶级,已经覆盖到了商人和小市民阶级等,已经日趋商品化。既有宗教宣传,又有装饰需求,既有宫廷画院的命题创作,又有文人墨客的自娱自乐。绘画种类丰富多彩,抒情只是其中一种,而不能以偏概全。
第一类,宗教题材,教化为主。
代表作《朝元仙仗图》
第二类,花鸟画,写生为主,人才辈出。
代表作:《芙蓉锦鸡图》(宋徽宗)《雪树寒禽图》(李迪)《秋柳飞鸦图》(梁楷)等等,写生甚至“变态”到计较孔雀起飞先迈左脚还是右脚的程度。
第三类,山水画,寄情山水,心性和物象完美统一。
代表作《千里江山图》《富春山居图》《潇湘奇观图》《溪山行旅图》《早春图》等等,说都说不完。
第四类,人物画,禅意十足,形神兼备。
代表作:《六祖截竹图》《泼墨仙人图》《布袋和尚》《五马图》《浴马图》等等,佳作频出,审美高级,而且放到现在也不过时。
值得一提的是,《清明上河图》也是出在这一时期,它可以说是写生状物,描绘市井风情,高峰中的高峰。但是它其实是作者张择端讨好徽宗的歌功颂德之作,和抒情可以说是八竿子打不着。
至于明清到现在,随着经济的发展,绘画服务的人群更加广泛,市井文人创作的自由相对也更宽泛。由于宋元在“写实与抒情完美统一”的高峰难以逾越,很多画家将笔墨和心性放在了写实之上,追求笔墨的意趣,心性的表达。这既是造成题目中“国画是抒情的艺术”这种误会的源头,也是当今很多大家开始追慕宋元的原因之一。因为这虽然是人性的解放,艺术的自由,但是也容易让人把粗鄙当成豪迈,走向另外一个极端。
因此,在我看来,国画是一门内涵特别丰富的艺术,它承担的社会职责也不局限在一个方面。即便仅以文人画去看,它的高峰,以宋元为例,都是以中国人特有的中庸、和谐,倾向于将物和我,写实和抒情,进行完美的统一。将它简化为一种抒情的艺术,是不妥的、片面的。抒情只是国画艺术中一个比较醒目的特质,却并非它的全部。
5. 如何客观理解国画艺术中的神韵?
气韵生动是中国画的构成要素,它和其它要素一样共同出现在中国画作品中,是中国画作品构成要素不可缺少的,它与其它要素相辅相成既有区别又有联系,其它要素构成了细节,气韵生动完成了整体。其它要素的有机结合构成了气韵生动,气韵生动使其它要素的作用和价值得以实现。对创作者而言,气韵生动是最终所要达到的目标,而其它要素是前提。
但是气韵生动比其它构成要素更为重要和不同,其它要素的结合是为画面中气韵的生动而服务。其它要素基本是用视觉能观察到的,而气韵生动只有在其它要素有机结合后才能升华而成。因而,气韵生动是中国画作品的灵魂,是创作者思想的流露,是给欣赏者心灵触动之处。同时只有气韵生动的表现出来,才能把创作者的思想和创作意图很感动的传达给欣赏者,其它要素是无法达到的。
我们欣赏一幅绘画作品,首先不在于它像或不像,而在于绘画作品的主题,或者是绘画作品中所辐射出来的某种思想观念、情绪,能否紧紧的抓住欣赏者的心弦,能否给人以充分的艺术审美享受,并且使人从中获得某种启迪和教育。应该说这才是一幅作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种表达的手段而不是目的本身。因此像与不像不能作为衡量作品的标准。
那么,内行画家们是怎么来欣赏画作的呢?内行者一般是看画面的整体气势,用术语来说就是先体味其神韵,或神似,然后看它的笔墨趣味、构图等其它要素,最后看造型。行内者的这种抓神韵的欣赏方法当然是抓住了本质。
气韵生动虽然起初是针对人物绘画而提出的,但它也包含着中国画创作的一般原理,其具体的地位和作用在其它题材的绘画作品中也同样无可替代。人物有精神,山水、花鸟也有精神。达到神似,才能气韵生动。甚至许多画家认为作品没有气韵是不能称为真正的绘画作品。离开气韵生动作品就成了缺乏灵魂的纯技术性的东西。
总之,气韵生动在中国画作品中从古至今都有着无可替代的地位和作用。
6. 油画可以写意吗?
油画写意的大师众目睽睽,梵高,高更,毕加索,马蒂斯,蒙克,达利等代表性艺术家。
7. 你认为什么是国画?
筒单的说国画是我国特有的古老传统的一种绘画,用毛笔,墨,中国颜料色,水在萱纸上做出的画。中国画的画家很多,如人人知道的唐伯虎,齐白石……等等……
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1. 泼墨仙人,传卮都什么意思?
1.泼墨中国画技法名。相传唐代王洽,以墨泼纸素,脚蹴手抹,随其形状为石、为云、为水,应手随意,图出云霞,染成风雨,宛若神巧,俯视不见其墨污之迹(见《唐朝名画录》)。明代李日华《竹�龌�媵》:“泼墨者用墨微妙,不见笔迹,如泼出耳。”清代沈宗骞《芥舟学画编》:“墨曰泼墨,山色曰泼翠,草色曰泼绿,泼之为用,最足发画中气韵。”后世指笔酣墨饱,或点或刷,水墨淋漓,气势磅礴,皆谓之“泼墨”。现代亦有以彩色为主的纵笔豪放的画法称为“泼彩”。2.泼墨法泼墨法创始于唐代王洽(又名王墨、王默),《唐代名画录》、《历代名画记》都有记载。王洽喜豪饮,醉后解衣磅礴,激清迸发,用墨泼在绢上,然后根据墨迹的形态,画成山石林泉,云雨迷茫,浑然一体,时人称他为“王泼墨”。后世所谓泼墨法,是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。行此法,毛笔要大一些。用饱含水的笔头,蘸上浓淡得宜的墨汁,大胆落笔,点拓出山石的形体。运笔要胸有成竹,轻重得宜,可以重笔,也可有飞白,随物形而变化,自然可获得墨色丰富、滋润生动的效果。3.泼墨山水所谓山水,就是西画及摄影的风景。国画中山水的境界最为重要,然而也要笔墨来辅助。有了境界,但是没有笔墨,或者有了笔墨,但是没有境界,也就不成为。它那结构和位置,必须特别加意,如画寺观,这些地方就不宜像人家的庐舍,好像和讲风水一样。这个说法,要多看古人名迹,以及名山大川,名胜古迹,自然会了解的。假如画了一张画,其中主要安置人家,却恰恰似一块坟地。这样的画,挂在中堂上面,试问别人看了,舒服不舒服呢?还能引人入胜吗?郭河阳论画,要可以观,可以游,可以居。他所谓可以观的,是令人一看这张画,就发生兴趣,要一看再看,流连不舍。第二步就想去游玩游玩,第三步就联想到,这样的好地方,怎样能够搬家去住才好呢!这样的山水才算够条件了。 有些人说中国山水画,是平面的,画树都好像是从中间锯开来的,这话绝不正确。中国画自唐宋而后,有文人画一派,不免偏重在笔墨方面,在画理方面,比较失于疏忽。如果把唐宋大家名迹来细细的观察,那画理的严明,春夏秋冬,阴晴雨雪,简直是体会无遗。董源画树,八面出枝,山石简直有夕阳照著的样子。关同甘共苦同画丛树,有枝无干,岂是平面的吗?画山水一定要实际,多看名山大川,奇峰峭壁,危峦平坡,烟岚云霭,飞瀑奔流,宇宙大观,千变万化,不是亲眼看过,凭看意想,是上不了笔尖的。眼中看过,胸中自然会有,一摇笔间,自然会一齐跑在你手腕下。 画山最重皴法,古人有种种名称,只不过是就其所见的山水而体会出来的。应该用那一种皴法传出,那所见的形状如何,遂名叫作某某皴,并非勉强,非用此皴法不可。如北苑用披麻皴,因为江南的山,土多过石,又因为论画的林木蓊郁,自宜于用这皴法。若范华原画北方的山川,太行王屋,石多过土,地也高亢,草苔也稀少,自然宜於用泥里拔钉、雨打墙头、鬼面这这些皴法。设使二公的皴法,互相变换,又成何面目?所以我的意思山水皴法不必拘泥,只要看适于某一种,就用某一种皴法。古人皴法,累举数种,荷叶皴、大小斧劈皴、披麻皴、雨打墙头皴、泥里拔钉皴、云头皴、折带皴、鬼面皴、牛毛皴、马牙皴、卷去皴、矾块皴,此皆常用者。4.泼墨山水画的代表人物王维的水墨山水,王洽的泼墨山水等;五代、北宋山水画大兴,作者纷起,如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水,王希孟、赵伯驹、赵伯�X的青绿山水,南北竞辉,达到高峰。从此成为中国画中的一大画科;元代山水画趋向写意,以虚带实,侧重笔墨神韵,开创新风;明清及近代,续有发展,亦出新貌。5.泼墨仙人《泼墨仙人图》是现存最早的一幅泼墨写意人物画。可以说是梁楷与画院画风决绝后,自辟蹊径,独树一帜,在绘画创作中所创“减笔”画之杰作。画面上的仙人除面目、胸部用细笔勾出神态外,其他部位皆用阔笔横涂竖扫,笔笔酣畅,墨色淋漓,豪放不羁,如入无人之境。作者在构造人物形象时,有意夸张其头额部分,几乎占去面部的多半,而把五官挤在下部很小的面积上,垂眉细眼,扁鼻撇嘴,既显得醉态可掬,却又诙谐滑稽,令人发笑,以生动的形象表现了作者的思想境界和生命态度,极尽嬉笑怒骂之态。据画史记载:梁楷为人不拘小节,好酒,自得其乐,狂放不羁,且任性高傲,在艺术上有自己的创见,不肯随波逐流,因而有“梁疯子”之称。应该说梁楷所画的不是“仙人”,而是他自己的写照。梁楷在他艺术生涯的前期,曾受画院“格律”的严格训练,人物画继承李公麟之画风,后因作者本人的素质和历史因素,梁楷凭着这股“疯”劲,反对因循守旧,敢于标新立异,敢于创造发展,因而他在中国画史上占有一席之地。 《泼墨仙人图》的产生,与南宋佛教禅宗思想的盛行是分不开的。此图标题为后人所加,从其大头鼓腹的形象来看,倒有点像当时民间信奉的布袋和尚;其精神体态的描写又有点像与梁楷同时的济颠和尚。此图不但体现了禅宗思想,也是梁楷所生活的南宋时代的必然产物。从另一个角度讲,也充分体现了梁楷对人物画体系“离经叛道”的大胆革新精神。
2. 国画油画分为中西绘画的代表?
谢谢好朋友“画画爸爸”的提问。你问:国画和油画到底有没有高低之分?看了30多位朋友的回答,大多把我想说的已经说了,下面我从另外的角度来回答这个问题。
我觉得国画和油画是有高低之分的,国画大多数方面要高于油画!
一、从绘画的文化内涵和人文气息上比,国画要远远高于油画
(一)中国画的文化内涵和人文气息
1、中国绘画源远流长,如果不算春秋战国时期的《人物龙凤图》帛画,仅从东晋顾恺之画的《洛神赋图》至今,也有1700多年的历史了。一千多年来,中国画家们在实践中不断创新,继承和发展了中国绘画,使中国画在世界上独树一帜,成为东方绘画的代表。
2、中国绘画和西方绘画不同的是,中国绘画,主要借助绘画在描摹自然风光,和社会生活及人文气息的同时,加入了中国的“诗书画印”,以及道家文化和佛家文化的理念,使得中国绘画富有了深刻的内涵。即使最有史记载的顾恺之画的《洛神赋图》,表面上看似乎只是画的一个神话故事,但是,顾恺之在画中还是融入了道家思想的理念即“清”和“静”思想。虽然画里画了许多人和海神,但是,却看不到一间房子,一个乡村,有的只是一望无际大海,和重重的山林。
3、在顾恺之的《画云台山记》里,他除了强调绘画的技法之外,还着重强调了对“天师”的表现:画天师瘦形而神气远,据涧指桃,回面谓弟子。。。从顾恺之以后的众多画家无不受其影响。到了唐代,画家王维更是对“佛文化”的摩拜到了如梦如痴的程度,在他的水墨山水画中,处处体现出他所想表达的“空”和“静”。“空山不见人,但闻人语响,返景入深林,复照青苔上。”这正是他山水画所追求的意境。
4、宋代皇帝徽宗赵佶,自封为“教主道君皇帝”和“道君太上皇帝”,他大力推崇王维开的水墨画,并将“诗书画印”融入其中,使得中国画进入一个全新时期,开创了中国画的新纪元。所以,宋代以后出现了许多擅长画“道和佛”的画家,比如:南宋梁楷画的《泼墨仙人图》和《恒宣普明头陀归庄禅画》、曹洞的《牧牛图》、临济的《十牛图》和教禅一致的《白牛图》等等。元代的倪瓒、明代的董其昌,清代的“清四僧”,以及现代的张大千、吴昌硕、齐白石、潘天寿和黄宾虹等画家,无一不受其影响。后世的众多习禅或者文人雅士画家,有禅理的绘画,或者依葫芦画瓢的,乃不胜枚举。
中国的禅画,对日本的绘画产生了重要影响,至今仍然有许多画家对禅画情有独钟。今天我们来评价中国画,不仅仅从画的好坏本身,还要加上诗、书法、印章等各个方面,这样全面的中国画,才能算好的中国画作品。
(二)油画的内涵
油画的历史,如果说古希腊时期还不够成熟的话,那么,从文艺复兴至今,也有500多年的历史了。虽然西方画家们,在油画的技法上不断地创新,但是,但是,对于油画的内涵,却很少有人问俊,除了对自然风光、人物肖像的描绘之外,就是神话、历史故事、风土人情的描绘。比如:达芬奇的《蒙娜丽莎》:人物肖像画、《圣女玛利亚》、米开朗基罗的壁画《创世纪》:神话题材的绘画;路易.大卫的《拿破仑加冕》;达维特的《马拉之死》:历史画;梵高的《向日葵》、莫奈的《干草堆》:风景画等等。这些绘画,我们能从绘画本身读懂绘画的内涵。因此,可以这样说,西方绘画是“再现”,而中国绘画是“再现和体现”。
二、从绘画的技法和种类上比,国画丝毫不比油画差
(一)中国绘画的技法
1、有的人说:“中国画没有油画画得像,所以,中国画的水平没有油画高”。看起来有道理,听起来也不错,可事实是这样么?中国画家真的不会画写实的绘画?答案其实是否定的!早在唐代,“画圣吴道子”就已经开始用“敷彩法”(立体的绘画方法)进行表现。但是,为什么后代没有人再去学习这种方法么?这和古代画家们所受到的、几千年流传下来的传统文化有关。传统文化的根深蒂固,让后代画家们对于“敷彩法”敬而远之。其实,中国画即使没有所谓的立体感,但是,也丝毫不影响它对自然和人文等的再现。
2、中国画从传统的工笔画,到后来的写意画,看上去只有两种记法,其实不然,工笔画里面,除了勾线敷彩之外,还有没骨法和兼工带写等技法;写意画里面又有小写意、大写意和泼墨(彩)等技法。另外,今天的中国画还融入了西洋画素描的技法,使得中国画技法又进入到了一个新的高度。
二、油画的技法
油画的技法,从传统的古典写实,到印象派、野兽派、立体派、抽象派、超现实主义画派、表现主义、达达派、波普艺术等等,虽然也在不断地创新之中,但是,西方的油画,却是变的要么越来越像照片,甚至比照片还逼真;要么是让人不知道画得是什么东西。总之,油画的技法和国画比,也并没有多大的优势。甚至中国画的技法还更胜一筹。
今天的人们大多数之所以喜欢油画,而不喜欢中国画,其原因有二:
1、传统文化的流失。改革开放以来,由于西方文化的强烈冲击,以及“崇洋媚外”的思想严重,许多从海外归来的人,占据了重要的位置,如新闻媒体、高校、行政部门以及厂矿企业,对西方文化的大力推销,使得许多人的观念发生了变化。
2、美术学院对西洋画的大力推崇。曾经有一位知名人士说过:“素描是一切造型的基础”,所以,现在美术学院把西洋画的素描和水粉、水彩作为美术高考的主要内容。这样,随着时间的推移,一代又一代人对中国画越来越不待见。今天,除了年长一些的人,年轻人很少有喜欢中国画的。
如果说,油画比中国画“高”的画,只能说,油画确实看上去和照片差不多,对事物的再现比中国画好。但是,中国画的丰富内涵,油画是永远不能比拟的。今天,中国画走到历史的最低点,不能不说是我们的悲哀!
最后我要说得是,希望有关部门重视传统文化的传承和保护,扭转文化“重演媚外”的现象,让我们自己的优秀文化传承下去!!!
一家之言,不喜勿看。欢迎评论,谢谢!
(文中图片来自网络)
3. 你如何看待那些突破传统的艺术家的行为?
时代有突破才有发展,艺术也需要更新才能够满足新一代人们的视觉需要与审美需求。
“突破传统”在艺术的发展历程中有两种形式:以国画艺术的角度来分析。
1.在传统的基础上进行继承与发展,继古人之法融合时代思维。
例如在国画的发展历程之中,每个时代都会诞生具有创新性思维的大家,与创新性的艺术表现形式。
如梁楷的“泼墨仙人图”该画作是现存最早的一幅泼墨写意人物画,是对传统线型国画语言的背离,是墨象语言真正独立的标志。
徐渭则开创了大写意牡丹,史无前例的不用色彩画牡丹,仅用墨色创作。齐白石的墨叶红花,苏东坡的红竹等等,都是在当时是极为有创新性的发明创造,但对于现在而言很显然这些手法的艺术形式,也被归为了传统艺术的范畴。
这反应了一个现象,就是时代的发展与延续性,所有的事物都是变化着的,变化之中就一定会改变之前的一些艺术形式与观念。即使当时或如今再怎么新颖的艺术,未来都会成为传统,所以要客观合理的看待“突破传统”这个概念。
而且近现代的很多大家无论林风眠、李可染等名家,他们更讲究中西融合,把光学融入到画面中,林风眠用的是光斑,李可染用的是逆光。这些如今看来也不稀奇了,现在用国画画出油画感觉的也有人在。
但大部分这些大家都是在传统国粹艺术之中去创造的,继承了笔墨技法与部分思想理念。所创作出来的作品,也更容易让人们接受,并还存有一定的发明创造,且符合民族精神的视觉传达,能让人们看的明白看的懂,实现了艺术为人民服务为时代社会服务的艺术使命,是值得纪念与参考的。
2.相对完全打破传统。
这某种意义上几乎是完全否定国画之中的所有技法或表现形式了,某些实验水墨或当代水墨做的就异常彻底,甚至创作时工具都不限制,舞管弄脸,就差了满地滚爬。
要说这些已不在继承传统,也不能说,至少这还用着墨与宣纸,只是相对笔墨技法而言是完全不用了,但至于艺术形式是怎样的,那就不怎好说,未来会给出明确答案吧。
而对于现在来讲,这样的创作手法受到人们的喜爱几率可能并不大,也许博得了眼球,而未来这些作品能否传世留名尚待考究。当然当代水墨、实验水墨也有做的好的,就不一一列举了。
发展固然是时代必须,但传统艺术的一些精髓我们还是要理性对待,继承优良传统艺术,是民族精神的延续,勿让好的精华断了代。
4. 有人说国画是一门抒情艺术?
坦白讲,这个问题像互联网中千千万万个问题一样,带有一种简单化的倾向。它其实指向另外一些问题:什么是国画?你所说的国画是指哪个时期的国画?是指哪一种国画?国画悠久的历史,丰富的种类,很难以一言以蔽之的。国画不止是张大千、齐白石,而很多大众会将二者直接划等号。所以回到这个问题上,我们首先要从对国画的认识说起。
我会尽量简化自己对这个问题的认知,如果其中有纰漏,请各位方家海涵。
首先,我们从国画的起源说起,中国在新石器时代,就已经有绘画了,主要是彩陶,作为一些装饰纹样出现。到了奴隶社会,一些青铜器上会有记录当时历史事件的图像,简化生动,主要承担着拜鬼神、成教化、助人伦的功能,起码这一阶段,它和抒情是不相干的。
(马王堆汉墓帛画)
到了魏晋南北朝时期,宗教开始兴盛,在这一时期,出现了大量的宗教人物画,最为著名的是敦煌石窟,它具有极高的宗教意义和审美价值,是不能用抒情来形容的。当然,这一时期,“国画”也真正产生了自己的审美觉醒,出现了宗炳的《画山水序》和王微的《叙画》等理论著作。尤其《画山水序》,可以说是东方美学思想发展的里程碑,它提出“含道应物”“澄怀味象”等,强调的就是个人修养和恬淡情怀,要和客观实物的形象相结合,要用自己的悟性来顺应自然。所以他并不是纯粹的抒情,而是物我合一,这是很高的境界,并且在我国的国画史中一以贯之,成为一种主流的审美倾向。它既不是单纯的抒情,也不是单纯的描绘客观实物,而是物我两忘,经过改造之后的现实,所以将它简化为“抒情”两个字,实在是有失偏颇。
顾恺之 《洛神赋图》,人物画向山水画过渡时期的传世名画。
隋唐时期是中国绘画继往开来、光彩博取而品类咸备的全盛时期。画家张彦远《历代名画记》中,隋有著名画家21人,唐有207人之多,这些还只是颇有成就的著名画家。他们的作品既有《历代帝王图》、《步辇图》《虢国夫人游春图》《高逸图》等人物画,描绘帝王、忠臣等为统治阶级服务。又有《长江积雪图》《江帆楼阁图》等山水画,这部分倒是重感受,抒发画家自己的个性和情趣,并慢慢滋生出了文人山水画这一流派。但是我们不能说为统治阶级服务的那些传世名画就不是国画了,对吧?所以把国画简化为抒情的艺术,仍然是偏颇的。
十大传世名画之一 《虢国夫人游春图》
五代十国时期,在历史上可能不是很起眼,很多人连五代是哪五代都不清楚。但是,在绘画史上,这其实是一个很重要和灿烂的时期。《调马图》《二祖调心图》《韩熙载夜宴图》《珍禽图》(黄筌)《匡庐图》(荆浩)《雪山行旅图》《关山行旅图》(关仝)《秋山问道图》(巨然)等等,名家名作,全部出在这一时期。人物画就不说了,黄筌的《珍禽图》可以说是工笔花鸟画的发端,非常重视写实,形神兼备,决不能以“抒情“来形容。哪怕是山水画,也非常注重写生。荆浩《笔法记》里总结了“六要”、“真、似”,“四格”、“四势”、“二病”,强调画家要真实地体察自然,做到顺应自然而反映自然,不可造作。要寻求物象的形态、气质,不能僵死,更不能凭空捏造。这显然不是“抒情”二字可以概括的。
荆浩《匡庐图》
宋元时期,就不必说了。这是中国绘画史上一个几乎无法逾越的高峰,到今天为止,很多画家仍然是推崇宋元,倾向于回归宋元的绘画特质,认为这一时期才是正宗、本源。如果详细介绍的话,再来一万字也介绍不完。从它服务的阶级来说,因为经济的发达,也已经由统治阶级、士大夫阶级,已经覆盖到了商人和小市民阶级等,已经日趋商品化。既有宗教宣传,又有装饰需求,既有宫廷画院的命题创作,又有文人墨客的自娱自乐。绘画种类丰富多彩,抒情只是其中一种,而不能以偏概全。
第一类,宗教题材,教化为主。
代表作《朝元仙仗图》
第二类,花鸟画,写生为主,人才辈出。
代表作:《芙蓉锦鸡图》(宋徽宗)《雪树寒禽图》(李迪)《秋柳飞鸦图》(梁楷)等等,写生甚至“变态”到计较孔雀起飞先迈左脚还是右脚的程度。
第三类,山水画,寄情山水,心性和物象完美统一。
代表作《千里江山图》《富春山居图》《潇湘奇观图》《溪山行旅图》《早春图》等等,说都说不完。
第四类,人物画,禅意十足,形神兼备。
代表作:《六祖截竹图》《泼墨仙人图》《布袋和尚》《五马图》《浴马图》等等,佳作频出,审美高级,而且放到现在也不过时。
值得一提的是,《清明上河图》也是出在这一时期,它可以说是写生状物,描绘市井风情,高峰中的高峰。但是它其实是作者张择端讨好徽宗的歌功颂德之作,和抒情可以说是八竿子打不着。
至于明清到现在,随着经济的发展,绘画服务的人群更加广泛,市井文人创作的自由相对也更宽泛。由于宋元在“写实与抒情完美统一”的高峰难以逾越,很多画家将笔墨和心性放在了写实之上,追求笔墨的意趣,心性的表达。这既是造成题目中“国画是抒情的艺术”这种误会的源头,也是当今很多大家开始追慕宋元的原因之一。因为这虽然是人性的解放,艺术的自由,但是也容易让人把粗鄙当成豪迈,走向另外一个极端。
因此,在我看来,国画是一门内涵特别丰富的艺术,它承担的社会职责也不局限在一个方面。即便仅以文人画去看,它的高峰,以宋元为例,都是以中国人特有的中庸、和谐,倾向于将物和我,写实和抒情,进行完美的统一。将它简化为一种抒情的艺术,是不妥的、片面的。抒情只是国画艺术中一个比较醒目的特质,却并非它的全部。
5. 如何客观理解国画艺术中的神韵?
气韵生动是中国画的构成要素,它和其它要素一样共同出现在中国画作品中,是中国画作品构成要素不可缺少的,它与其它要素相辅相成既有区别又有联系,其它要素构成了细节,气韵生动完成了整体。其它要素的有机结合构成了气韵生动,气韵生动使其它要素的作用和价值得以实现。对创作者而言,气韵生动是最终所要达到的目标,而其它要素是前提。
但是气韵生动比其它构成要素更为重要和不同,其它要素的结合是为画面中气韵的生动而服务。其它要素基本是用视觉能观察到的,而气韵生动只有在其它要素有机结合后才能升华而成。因而,气韵生动是中国画作品的灵魂,是创作者思想的流露,是给欣赏者心灵触动之处。同时只有气韵生动的表现出来,才能把创作者的思想和创作意图很感动的传达给欣赏者,其它要素是无法达到的。
我们欣赏一幅绘画作品,首先不在于它像或不像,而在于绘画作品的主题,或者是绘画作品中所辐射出来的某种思想观念、情绪,能否紧紧的抓住欣赏者的心弦,能否给人以充分的艺术审美享受,并且使人从中获得某种启迪和教育。应该说这才是一幅作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种表达的手段而不是目的本身。因此像与不像不能作为衡量作品的标准。
那么,内行画家们是怎么来欣赏画作的呢?内行者一般是看画面的整体气势,用术语来说就是先体味其神韵,或神似,然后看它的笔墨趣味、构图等其它要素,最后看造型。行内者的这种抓神韵的欣赏方法当然是抓住了本质。
气韵生动虽然起初是针对人物绘画而提出的,但它也包含着中国画创作的一般原理,其具体的地位和作用在其它题材的绘画作品中也同样无可替代。人物有精神,山水、花鸟也有精神。达到神似,才能气韵生动。甚至许多画家认为作品没有气韵是不能称为真正的绘画作品。离开气韵生动作品就成了缺乏灵魂的纯技术性的东西。
总之,气韵生动在中国画作品中从古至今都有着无可替代的地位和作用。
6. 油画可以写意吗?
油画写意的大师众目睽睽,梵高,高更,毕加索,马蒂斯,蒙克,达利等代表性艺术家。
7. 你认为什么是国画?
筒单的说国画是我国特有的古老传统的一种绘画,用毛笔,墨,中国颜料色,水在萱纸上做出的画。中国画的画家很多,如人人知道的唐伯虎,齐白石……等等……
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